domingo, 31 de mayo de 2009
Arquitectura Natural
El hecho que motiva y justifica el hecho arquitectónico es la necesidad del hombre de habitar, de concebir espacios confortables que permitan que las actividades propias a su naturaleza puedan desarrollarse a cabalidad. Conviene enfatizar que este objetivo no es el único ni el más importante; una vez que se decide delimitar un espacio,
el objeto arquitectónico tendrá que satisfacer necesidades biológicas y funcionales, pero también condicionantes de tipo cultural, estético, técnico y económico que no pueden ser dejados al margen. No se hace arquitectura respondiendo a uno solo de estos factores por que el alma de nuestra labor está en balancear todos los elementos que participan en las fases de proyectación y construcción para lograr el equilibrio entre ciencia, arte y técnica que permite que la edificación sea útil a sus destinatario y acorde al medio que le rodea. "Las visiones del soñador fueron estrafalarias: procesiones de caimanes y de tortugas, pantanos llenos de gente, flores que daban gritos. Dijo que los árboles de la selva eran gigantes, paralizados y que de noche platicaban y hacían señas.
EL HECHO NATURAL.
EL HECHO ARTIFICIAL.
EL HECHO ARQUITECTÓNICO.
arquitectura ... un poco de historia
En la mayoría de los casos -aunque no siempre- los periodos estudiados corren paralelos a los de la Historia del arte y existen momentos en que las estéticas se sobreponen o se confunden. No es de extrañar que una estética vanguardista en las artes plásticas aún no haya encontrado su representación en la arquitectura y viceversa.
Velázquez ... exelente pintor
Posiblemente es el más grande pintor que ha vivido. Según los expertos produjo la mayor cantidad de obras maestras de la historia del arte. Su obra se muestra destacada en los más prestigiosos museos de todo el mundo. Nació en la ciudad española de Sevilla, donde fue discípulo de Fracisco Pacheco, casándose posteriormente con la hija de éste. Tras su primer viaje a Madrid en 1623, fue contratado como pintor de la corte de Felipe IV, pasando el resto de su vida al servicio de este en diferentes puestos, alcanzando el cargo máximo de Guardián de la Corte, lo que provocó un descenso en su producción personal. Viajó en varias ocasiones a Italia, enviado por el rey, donde realizó varias pinturas que causaron gran conmoción en Roma. Murió de regreso de las islas de los Faisanes, donde habia ido acompañando al monarca en su encuentro con el rey de Francia Luis XIV. Velázquez fue llamado "el pintor de la verdad" o "el pintor del aire".
BIOGRAFÍA de VAN GOGH
30-3-1853: Vincent van Gogh nace en Groot Zinder (Holanda).
1869: Como empleado, trabaja en una galería de La Haya.
1870-1875: Se traslada a la sucursal londinense de esa misma galería.
1875: A los 22 años, y tras una crisis amorosa, se va a París.
1876: Regresa a Inglaterra y da clases en un colegio privado. Cerca de Londres, ayuda a un pastor metodista.
1877: Vuelve a Holanda para trabajar en una librería. Durante unos 15 meses estudia para ser pastor.
1877-1880: Convive con los mineros en Bélgica, que eran muy pobres.
1880: Narra a su hermano Theo sus profundas angustias.
1880-1883: Vive una época de amores turbulentos y difíciles.
1883: Van Gogh desarrolla el gusto por pintar paisajes.
1885: Pinta Los comedores de papas. Muere su padre.
1886: Se traslada a París para vivir con su hermano Theo. Conoce a los pintores Toulouse – Lautrec y Gauguin.
1886-1888: Pinta unos 200 lienzos; entre ellos 23 son autorretratos.
1888: Se instala en Arles, sur de Francia, con su amigo Gauguin. En un arrebato de furia se corta el lóbulo de una oreja. Entra en una etapa muy próxima a la demencia absoluta.
1889: Ingresa en el asilo de Saint Paúl – de- Mausole. Sufre una de sus crisis mas graves, pero sigue pintando.
1890: Conoce al doctor Gachet, al que dedica unos cuadros.
29-7-1890: Muere a los 37 años en Auvers – sur – Oise (Francia).
EL GRITO DE MUNCH
EL GRITO DE MUNCH
Tormento e inconformismo
El objeto de estudio del trabajo es el Grito, cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 y que se encuadra dentro de su obra capital “el Friso de la Vida”.
El objetivo que se pretende alcanzar, es responder qué es lo que Munch trató de reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita.
Es decir, si se trata del reflejo de la angustia personal del pintor o si el grito pudiese también esconder una crítica a la nueva forma de organización socioeconómica de la época. En definitiva si Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.
Para desarrollar esta posibilidad voy a basarme en 3 hechos fundamentales:
· La influencia que tuvo para Munch el movimiento bohemio de Cristiania
· La situación social que se vivía en el momento y lugar en el que se pintó el cuadro
· Las características del propio arte expresionista
Influencia de Cristiania
Cristiania (la actual Oslo) se consideraba la cuna del movimiento Bohemio noruego. Munch se trasladó allí a la edad de tres años y desarrollo todos sus inicios como artista rodeado de esta atmósfera e influenciado por pintores como Christian Krogh, uno de los máximo exponentes del movimiento Bohemio.
Los bohemios de Cristiania dirigían sus trabajos y sus provocaciones contra la falsa complacencia y contra la estrechez de principios morales y éticos. Consideraban que el sistema estaba envuelto en contradicciones.
No compartían la forma de organizarse de la sociedad y por ello vivían en un clima de represión.
La novela “Un Bohemio de Cristiania” escrita por Hans Jaeger fue confiscada inmediatamente después de su aparición en1985 y el propio Munch vio como sus cuadros causaban escándalo en la exposición de Oslo en 1886, o como en 1892 el público y la prensa berlinesa reaccionaron indignados ante sus pinturas, lo que obligo a clausurar la exposición siete días después de su inauguración.
Munch no fue ajeno a este movimiento de protesta como pone de manifiesto el escritor Josef Paul Hodin en su libro “Eduard Munch-el genio del Norte”.
Hodin escribe en este libro:
“La Bohemia de Cristiania era el portavoz de la protesta individual contra la hipocresía de una falsa moral.
Esta Bohemia, en la que se incluía Munch, luchaba por el ideal de una sociedad honesta y vigorosa y defendían la liberación social sometiendo para ello los valores recibidos a una critica despiadada. En ningún otro lugar se estaba luchando en pro de las nuevas ideas con tanta vehemencia como en la fosilizada Cristianía de los años ochenta”
Munch estaba por tanto dentro de esta corriente reivindicativa y hacia finales de los 1890 tenía proyectado un ciclo de cuadros con el tema de la vida Bohemia.
Me parece interesante detenernos en otra de sus obras para reflejar la posición de Munch con respecto a la clase burguesa, clase social que representaba la piedra angular de la sociedad industrial.
Historia sobre Pintura
Las pinturas más antiguas que se conocen fueron realizadas en las paredes de las cuevas que servían de abrigo a la especie humana hace 30.000 años, durante el periodo paleolítico. Hay muestras del arte paleolítico en emplazamientos de Europa occidental, del África sahariana y del sur, y en Australia. En algunas zonas, como el litoral mediterráneo, el desarrollo de la pintura continuó en el periodo neolítico.
Las pinturas que se conservan en las cuevas de España (Altamira) y del sur de Francia representan, con increíble exactitud, bisontes, caballos y ciervos. Estas representaciones están realizadas con pigmentos extraídos de la tierra, compuestos de diferentes minerales pulverizados y mezclados con grasa animal, clara de huevo, extractos de plantas, cola de pescado e, incluso, sangre; se aplicaban con pinceles hechos de varitas y juncos o se soplaban sobre la pared. Estas pinturas debían desempeñar una función en los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su naturaleza exacta. Por ejemplo, en una pintura rupestre de Lascaux, Francia, aparece un hombre entre los animales junto a varios puntos oscuros; aunque su exacto significado permanece desconocido, demuestra la presencia de una conciencia espiritual y la capacidad de expresarla por medio de imágenes, signos y símbolos.
1.1 El Paleolítico
Si restringimos la definición de arte a la actividad representativa, libre de toda sujeción utilitaria, tendremos que considerar el Paleolítico superior como el momento del nacimiento de las primeras muestras artísticas.
El arte rupestre o arte parietal es el tipo de pintura que desarrollaron estos hombres en las paredes de las cuevas. Se distinguen dos tipos de éstas:
A.- Arte franco-cantábrico
Se extiende del período auriñaciense al magdaleniense y sus muestras más representativas están en Francia (Cuevas de la Dordogne : Les Combarelles, Font-de-Gaume y Lascaux) y en el norte de España (Altamira, La Pasiega). Las principales características de este arte son: un gran naturalismo en la representación de los animales, contornos de manos y signos abstractos; las figuras se encuentran siempre aisladas, sin formar grupos escénicos; se percibe una clara evolución en el tratamiento colorístico que va de la monocromía a una rica policromía.
B.- Arte levantino
Estas pinturas tienen una serie de características que las distinguen del arte franco-cantábrico: no están en cuevas oscuras, sino en abrigos a plena luz; son monocromas (rojas o negras); son más esquemáticas y no tan naturalistas; la figura humana se representa profusamente; las representaciones no están aisladas y superpuestas; sino que se estructuran formando escenas; logran captar el movimiento, dando la sensación de un gran dinamismo.
Sus mejores muestras se encuentran en Cogull, cueva Remigia, la Valltorta y Charco del Agua Amarga, en el Levante español.
El Neolítico
Sigue una evolución, iniciada a finales del Paleolítico, hacia una mayor esquematización geométrica y abstracta. El abandono del naturalismo hace difícil reconocer las figuras representadas.
Los mejores ejemplares de este estilo están en la Laguna de la Janda, en Almadén (Ciudad Real, España). También son señalables los huesos humanos y los cilindros de piedra decorados con figuras geométricas en zig-zag que representan, casi con seguridad, ídolos religiosos.
Arte Egipcio
El arte egipcio se desarrolló durante unos 3000 años, pese a lo cual mantiene una cierta unidad estílica.
Los egipcios utilizaban a la pintura para pintar los muros de las tumbas de los faraones con representaciones mitológicas y escenas de las actividades cotidianas, como la caza, la pesca, la agricultura o la celebración de banquetes. En primer lugar, las imágenes, más conceptuales que realistas, presentan los rasgos anatómicos más característicos, combinando las vistas frontales y de perfil de la misma figura; en segundo lugar, la escala de las figuras indica la importancia de las mismas, y así el faraón aparece más alto que su consorte,
hijos o cortesanos.
Se distingue una época predinástica (antes del 3000 A.C), una época tinita-menfita o Imperio Antiguo (3000 – 2000 A.C), una época tebana o Imperios Medio y Nuevo (2000 – 1000 A.C), y una época tardía (saíta, tolemaica) ya dentro de la dominación extranjera.
El dibujo y la pintura egipcios tienen una función más cercana a la de la escritura o símbolos religiosos que a la de ornamento estético.
Su función fue casi siempre la de realzar la arquitectura, la escultura, el bajorrelieve o los utensilios de uso cotidiano, aplicándose a las superficies murales o mobiliarias.
Los colores poseen una rica simbología: el verde, frescor y juventud; el negro, fertibología; el blanco, la luz; el amarillo intenso, eternidad.
Ellos aplicaban los colores con un aglutinante a base de goma arábiga, cera de abeja o clara de huevo, sobre un estucado de yeso previamente preparado.
Los pinceles hechos de juncos machacados, por uno de sus extremos y brochas hechas con hojas de palmera eran los instrumentos que utilizaban.
Las principales obras pictóricas son: el Friso de las Ocas, la Peregrinación de Abydos, Sennefer y su esposa, Amenofis II ante el dios Osiris, Escenas de vendimia, Caza de patos en el pantano, Bailarín rubio y caballo rosa. También son muy bellas las pinturas realizadas en rollos de papiro, como la del Juicio de los Muertos, del Museo de Turín.
Historia del arte (en general)
La Historia del Arte, aunque puede concebirse como la historia de todas las manifestaciones artísticas de las denominadas bellas artes, que incluirían a la literatura o la música, suele restringirse a las artes visuales (pintura, escultura y arquitectura), y habitualmente también incluye las llamadas artes menores o aplicadas. Está estrechamente relacionada con la estética y la teoría de las artes.
La historia del arte procura un examen objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias.
El estudio de la historia del arte se desarrolló inicialmente desde el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no sólo de los de la historia del arte occidental.
Danza urbana
Danza
La danza pues, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que requiere de cinco elementos fundamentales, los cuales se interrelacionan para transmitir un mensaje artístico:
Ritmo
Expresión corporal
Movimiento
Espacio
Color
De esta manera llegamos entonces a poder definir la danza como el desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín, diseñando una forma, impulsado por una energía propia, con un ritmo determinado, durante un tiempo de mayor o menor duración.
El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo. En algunas danzas predomina el ritmo, en otras el uso del espacio, etc. También es importante destacar que de acuerdo al carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro elemento.
No todas las disciplinas están regladas y se imparten en escuelas de baile o academias de danza, ciñéndose a un programa según la especialidad, ya que algunas modalidades de danza forman parte de una cultura ancestral, que se transmite de padres a hijos.
Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, sino que se imprime una intención determinada se complementa con el que llamaremos Adicionales No Danzantes. Éstos son cuatro: Mímica, Gesto simbólico, Canto y Palabra.
Mediateca
- AADD. "El cine español. Una historia por autonomías". 2 vols. Barcelona: PPU, 1996 i 1998. - AADD. "Enciclopedia del Cine". Barcelona: Planeta, 1982. - AADD. "El cine contado con sencillez". Madrid: Maeva, 2000. - Caparrós, J.M. "100 películas sobre Historia contemporánea". Madrid: Alianza, 1997. - Gubern, R. "Historia del cine". Barcelona: Lumen, 1989. - Porter, M. "Història del cinema a Catalunya". Barcelona: Generalitat, 1992. - Romaguera, J. (dtor.)-AADD. "Diccionari del cinema a Catalunya". Barcelona: Enciclopèdia Catalana, 2005. - Sadoul, G. "Historia del cine mundial. De los orígenes hasta nuestros días". Buenos Aires: Siglo XXI eds., 1976. - Wyver, J. "La imagen en movimiento". Valencia: Filmoteca valenciana, 1991.
VIDEOGRAFIA: - "Cent anys projectant cinema".PMAV.Dep.Ensenyament-Generalitat. - "Història del cinema mut". 2 cintas. Ed.Casals. - "El naixement i evolució del llenguatge cinematogràfic". ICE-UPC. - "Cámara. El nacimiento del cine". Serie. Granada TV. - "Hollywood, Hollywood". Serie. TV. - "Esto es Hollywood". Serie. TV. - "100 años de cine americano". Serie. TV. - "Historia de la MGM". Serie. MGM-TV. - "American Cinema". Serie. TV.
EL CINE DENTRO DEL CINE:
- "La noche americana" (F.Truffaut) - "La última locura" (M.Brooks) - "Cantando bajo la lluvia" (G.Kelly-S.Donen) - "Cinema Paradiso" (G.Tornatore) - "La última proyección" (P.Bogdanovich) - "Nickelodeon" (P.Bogdanovich) - "Buenos días Babilonia" (Taviani) - "Chaplin"(R.Attenborough)
La época sonora
El 6 de octubre de 1927 sucede un hecho revolucionario para la historia del cine: ¡comenzaba a hablar! "El cantor de jazz", de Alan Crosland, dejaba escuchar al actor Al Jolson cantando. Se iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para los actores: muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física. ¡Desaparecían los intertítulos!
Los estudios tuvieron que replanteárselo a pesar de que hicieron importantes inversiones para reconvertirse en sonoros. También los técnicos y los cineastas cambiaron de forma de hacer y de pensar. Y los actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente. En el Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932.
La implantación del sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el cine momentos para huir de los problemas cotidianos. Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico,la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos escapistas.
Es el momento de directores como Lubitsch -autor de "Ser o no ser" (1942)-; Capra -maestro de la comedia americana, con títulos como "Sucedió una noche" (1934) o "Vive como quieras" (1938); Hawks -director de Scarface (1932)-; Cukor, autor de "Historias de Filadelfia" (1940)-; John Ford -conocido sobre todo por sus "westerns" épicos, como "La diligencia" (1939); o Josef von Sternberg -cineasta alemán que dirigió "El ángel blau" (1930)-. Este cine de entretenimiento general tiene la excepción con el hecho por King Vidor, cineasta sensible a los problemas de las capas populares, como lo reflejó en "El pan nuestro de cada día" ( 1934). "En Alemania es G.W.Pabst quien cultiva un cine social.
Este compromiso estético con los menos favorecidos fue más fuerte en Europa. En Francia, coincidiendo con el Frente Popular, Jean Renoir mostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizando de auténticos como protagonistas de algunos de sus films, como en "La regla del juego" (1939), título que, además de su carga de naturalismo, supuso nuevas aportaciones estéticas. Otros cineastas encuadrados en lo que se llama "realismo poético" fueron Jacques Feyder, Jean Vigo, Marcel Carné; y René Clair.
Muchas de las nuevas estrellas de cine proceden del teatro o del musical. Nombres como Marlene Dietrich, Greta Garbo, Claudette Colbert, Olivia de Havilland, Gary Cooper, Clark Gable, Errol Flynn, Jean Gabin, Edward Robinson o Humphrey Bogart se han convertido en mitos del cine.
El cine en color llega en 1935 con la película "La feria de las vanidades", de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud se consigue en el film de Victor Fleming, "Lo que el viento se llevó" ( 1939).
El cine de animación se fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños. Walt Disney es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país.
Los trucajes es una de las especialidades más estimadas por el público. La ubicación de castillos en paisajes donde no han existido, a partir de cristales pintados, o la recreación de un gorila gigante a partir de un simio pequeño o de maquetas, son muestras de la magia del cine, a la cual acaban de dar el toque la decoración, el maquillaje o el vestuario.
Frente a directores con planteamientos principalmente comerciales, hacen aparición otros con nuevas inquietudes estéticas. Es el caso de Von Stroheim, Hitchcock o Orson Welles; éste último realizó las obras maestras "Ciudadano Kane" (1941) y "El cuarto mandamiento" (1942).
Mientras tanto en Europa las cinematografías de los países con gobiernos totalitarios se orientan hacia un cine políticamente propagandístico, con frecuencia fallido artísticamente en el caso de los fascismos. Respecto al Estado soviético, sigue siendo una excepción el cine de S.M.Eisenstein, como lo demuestran los films "Alexander Nevsky" (1938) e "Iván el Terrible" (1945).
Cuando la Segunda Guerra Mundial estalla, el cine se basa en la propaganda nacionalista, el documental de guerra o el producto escapista.
Los maestros del período mudo
David Wark Griffith fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras "El nacimiento de una nación" (1914) e "Intolerancia" (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.
Griffith influyó en jóvenes cineastas de una geografía tan alejada de los EEUU, como es Rusia. El triunfo de la revolución rusa en 1917 hizo pensar a sus dirigentes que el cine podía asumir un papel de adoctrinamiento y propagandístico. Así que encargó a unos cuantos directores el hecho de crear una nueva cinematografía en el país.
En estas primeras décadas de cine aparecen más directores que se dan cuenta de que este nuevo medio de comunicación de masas también puede servir como medio de expresión de lo más íntimo del ser humano: sus anhelos, angustias o fantasías. Y además expresándolo con una estética innovadora, de "vanguardia". En Alemania, los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas.
El nacimiento del cine. La época muda
Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de maquetas.
Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. Tal como Edison en los EEUU, Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Los films producidos por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca, a quien se debe "La Passió" (1902) o "El asesinato del duque de Guisa" (1904).
Pero serán los EE.UU. quien saque más provecho del invento. En 1903, con la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste.
Viendo que se convierte en un gran espectáculo popular, que supera las barreras sociales y idiomáticas -en un país de inmigración formado por multitud de lenguas y etnias-, el factor negocio entra en acción. Con el fin de monopolizar el mercado cinematográfico y acabar con sus competidores, Edison envía a sus abogados contra los explotadores de aparatos cinematográficos. Se trata de la guerra de las patentes (1897-1906) que, después de una época de procesos, clausuras de salas, confiscación de aparatos y momentos de violencia, da la victoria a Edison. Ello afectó negativamente a los productores independientes, los cuales, para huir del inventor-negociante, marchan al otro lado del país, a California, donde fundan Hollywood. Aquí levantarán las grandes productoras que harán la historia del cine norteamericano.
Entre los diversos países donde el cine ya es una realidad, Italia es uno de los avanzados en la concepción del cine como espectáculo. Y las películas de grandes reconstrucciones históricas serán el mejor medio para hacerse con el público. El título más destacado fue "Cabiria", dirigido por Giovanni Pastrone en 1913. Grandes escenarios y muchos extras encarnando a romanos o a cartagineses garantían una producción colosal para la época. Una concepción del cine que influirá en los cineastas norteamericanos.
El Precine
De la misma manera que, un siglo después, la linterna mágica sería la precursora de las sesiones de cine, en proyectar imágenes sobre una superficie plana. Con el fin de hacerlas llegar a todos los lugares, los feriantes viajaban con sus linternas dejando boquiabiertos a los espectadores. Sobre todo cuando hacían servir ingeniosos dispositivos mecánicos destinados a manipular o hacer girar cristales circulares, que hacían mover las imágenes.
En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison, cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película... individualmente. Y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una pantalla porque creía que la gente no se interesaría por el cine. ¡Cuan equivocado estuvo, como el tiempo llegó a demostrar...! Sin embargo, la invención del cine no puede ser atribuida, específicamente, a nadie. Fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas.
Breve historia del jazz
El jazz es, ante todo, improvisación, vida, expresividad, evolución constante. El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi, brota de las manos del pianista de un bar de Storyville, o en medio de los hombres de una banda de músicos que tocan para acallar la violencia de un ajuste de cuentas en Chicago. El jazz es también la voz de un clarinete que exalta la vida, y es también una plegaria a Dios.
Un nacimiento original
La historia del jazz es una de las más originales de la música. Sus personajes y estilos, su fuerte individualismo, la hacen enormemente atractiva, y aunque algunas tendencias exijan una alta preparación por parte de los aficionados, es sobre todo música para escucharla con los pies.
- El jazz perdurará mientras la gente lo escuche con los pies y no con la cabeza -, dijo hace tiempo el director de orquesta norteamericano John Philip Sousa. Y así fue durante los años 30, con las bandas de Nueva Orleáns - Buddy Bolden - o con las de los hombres de Austin High en los bares ilegales de Chicago. Se tocaba música para que la gente bailara.
A partir de los años 40. el público comenzó a escuchar jazz con la cabeza en vez de con los pies. Pero es que las nuevas formas - bebop. cool, free - dejaron un poco de lado el ritmo para atraer al intelecto, y como consecuencia a reducidos grupos de vanguardia. A pesar de todo y contradiciendo los malos augurios de Souse, el jazz perdura y el público lo sigue con extraordinario entusiasmo. ¿Cuál es el secreto? : su gran vitalidad.
La Nueva Onda y el Metal Pesado
La Música "Punk"
The Clash es un conjunto de punk cuyos integrantes con aspecto del clásico rebelde sin causa, cambiaron de "look" a algo más acorde con su música. Pero aún siendo un fenómeno británico, los mejores punkeros fueron los neoyorkinos «Ramones» que hasta los años 90´s siguieron grabando discos y presentándose en concierto. Una posible cáusa de unión a través del tiempo puede ser que dos "Ramones" son hermanos, y siempre se han sentido orgullosos de no se una agrupación desunida "como los Sex Pistols, su bajista original (Syd Vicious) murió por sus excesos con las drogas, y el vocalista siempre pensaba en sus proyectos indicidualmente" declaró Dee Dee Ramone tras su último concierto en Latinoamérica (1997).
El Rock en Pantalla Grande.
Así como en muchas otras cosas, los Beatles fueron los primeros en filmar su música, incluso con trama y el género de comedia, aunque los filmes fueran meros «churros». Sin embargo, en los 70's los grupos rockeros optaron por concentrarse en su estilo, y el hecho de adaptarlo de algún modo agradable a las escenas de la película ya iba por cuenta de un especialista como lo es el director de cine. Otro cuarteto, pero de Londres, Pink Floyd, no solo fue el mejor de su década, sino además el privilegiado de plasmar su música en la película "The Valley" con material del disco Obscured by Clouds** del '72; esto animó a sus integrantes para Viajar a las ruinas de Pompeya, Italia, y filmar un "concierto en privado" para su mismo personal de apoyo, con efectos de camara novedosos en su epoca. Ésta filmació incluye material del disco Meddle***, un tema compuesto para la ocasión, y los primeros trabajos del Dark Side of the Moon. Otras muestras de cinerock llegan a nosotros por la obra del director Brian De Palma: El Fantasma del Paraíso de 1974; música para la ocasión con influjo de rockabilly, hard rock, y soft rock. en la letra de Paul Williams. Así como se hizo lujo de rock progresivo en la producción Pink Floyd in Pompeii, Led Zeppelin no se queda atrás; estos filman The Song Remains the Same con efectos especiales y escenas del concierto celebrado en Nueva York durante una gira conmemorativa de su quinto aniversario en 1973.
El Folk
Los Festivales de los 70's
Luego también el Festival de Altmont en el cual se desató la violencia. También los Beatles contribuyeron a ello con su separación y su triste testamento: "habrá una respuesta, deja que ocurra… había un largo y sinuoso camino qué recorrer". Según manifestaba Jerry García (Grateful Dead), "el cambio ha ocurrido ya. Estamos viviendo posfacto en una era postrevolucionaria en donde lo que queda por hacer es barrer los restos del pasado". Pero John Sinclair (White Panthers) que afirmaba antes "el rock ha sido la fuerza motriz de mi vida, estuvo politizado desde que emergió en el espíritu de la América del Plástico" dijo en verano del '71 "el rock es una energía poderosa que ataca una cultura inhumana de muerte; está en un tremendo marasmo, y nuestra cultura no tiene nada que ver con lo que debería ser. La música que oímos, y las condiciones en las que la escuchamos, no son las de hace unos años. Estas condiciones se relacionan con la corrupción de la cultura de muerte contra la que el rock se levantaba. "Sabíamos que podíamos cambiar el mundo y el mundo lo sabía bien. Nos han atacado, han asimilado los elementos menos peligrosos, y han reprimido los elementos más libres". Quizá a esta sensación de Sinclair obedezcan los suicidios de Hendryx y Joplin en el '70 y de Jim Morrison en el '71.
Al crear esta sensación de impasse influyó también el cierre del Fillmore East de Nueva York el 27 de junio del ´70 y del Fillmore West de San Francisco el 4 de julio, ambos propiedad de Bill Graham, el hecho puede calificarse de maniobra vagamente comercial, ya que Graham siguió celebrando conciertos en otros locales. Por otro lado, el Royal Albert Hall de Londres se declaró cerrado para conciertos de rock debido a los incidentes producidos en la presentación de la agrupación americana Creedence Clearwater Revival. El Albert Hall fue importante para la música pop desde que los Beatles tocaron en el ´67. No se había celebrado el festival del año como en su día lo hubo, pero los festivales locales y únicos han abundado.
Aunque no sea propiamente un festival, el acontecimiento musical más importante de su año fue el Concierto a Beneficio de Bangladesh, celebrado en agosto del '71 en el Madison Square Garden de Nueva York. Por primera vez desde que Let it be fuese grabada, 2 miembros de los Beatles se reunieron para actuar. El festival lo había organizado Harrison, en compañía de Ringo Starr, Erick Clapton, y Billy Preston, entre otros. Bob Dylan, que no había actuado en público desde el festival de Wight en 1969 apareció también entre los amigos de George. El acontecimiento reunió a 40 mil personas, lográndose recaudar 35 millones de pesetas que, unidos a las ventas del LP-triple The Bangladesh Concert***, la canción de Harrison del mismo título, y el producto de la película filmada durante el concierto, se estima que llegó a mil millones de pesetas en ese año.
Estados Unidos {rock sureño> Allman Bros. Band ('69); Eagles ('71); Lynyrd Skynyrd ('73); Graham Parker ('76) y; Southside Johnny & the Ashbury Jukes ('78).} {hard rock> Jerry Lee Lewis ('70); y Bruce Springsteen ('71).} {progresivo> Steve Miller Band ('73); Journey ('74); Kansas ('75) y; Boston ('76).}
Reino Unido {sinfonia rock> Queen ('72); Eectric Light Orchestra ('73).} {punk> Sex Pistols ('73); The Motors ('75) y; The Clash ('77).} {progresivo> Jethro Tull ('69); Hawkwind ('71) y; Supertramp ('75).}
Francia {Eddy Mitchell, Dick Rivers, y Johnny Hallyway.}
Canadá {The Ghess Who ('69); Emerson, Lake & Palmer ('70); Yes ('71); Rush ('74) y Triumph ('78).}
Alemania {progresivo> Nektar ('69); Jane ('70) y; Eloy ('75).}
España {Los Bravos, Miguel Rios}
México {La Revolución de Emiliano Zapata ('69); The Spiders ('71); Three Souls in my Mind ('68).}
Los Spiders llevaron el rock tapatío a la cúspide en Inglaterra y los Estados Unidos más que en México por cantar en inglés. Se formaron a fines de los 60's con un vocalista extranjero llamado Tony Vierling, y su album debút Back*** de 1971 muestra una clara influencia del hombre que los apoyó y del estilo que adoptaron: Erick Burdon, de los Aminals ingleses.
Por su parte, la evolución de Emiliano Zapata era 100% tapatía, pero su apoyo publicitario lo deben a Bob Dylan, que en cierta visita a Guadalajara fue reconocido en la calle por estos jóvenes emprendedores; lo invitaron a escuchar sus trabajos caseros, y Dylan les ayudó a llegar hasta un estudio profesional. Desde entonces, la "Revolución de Ciudad Granja" se mostró también influenciada por otra gran personalidad del rock universal.
Quizá suene irónico negar que estos grupos del rock tapatío hayan sido malinchistas durante todo su trayecto musical por cantar en ingles. Pero en su época, en España y Alemania, los grupos locales hacían lo mismo, con la intención de acaparar más público y mas mercado para vender sus producciones. Ya en los 80's, se dio importancia al showbinismo musical (que es todo lo contrario al malinchismo) tanto en el ambiente del rock, así como también con el folklore nacional y los activistas que desde un principio han atacado al rock.
Cuando el Rock Perdió su Roll
1962: debutan The Rolling Stones lidereados por Mick Jagger y Keith Richards, con el disco "the England Second New Hits Makers"**.
1963: el quinteto The Spectres hace lo suyo con el sencillo "I´m who have nothing" después interpretada en español por E. Guzmán. En 1968 cambian de nombre al popular Status Quo.
1964: Aparecen los Kinks ("you really got me"), Erick Burdon & the Animals ("house of the rising sun"), y The Who ("my generation").
1965: Pink Floyd, pioneros del rock progresivo, debutan con el disco "More" (algunos ingenuos piensan que el primer disco fué The Pipper at The Gates of Down de 1966). No logran fama sino hasta 1973 con "Dark side of the Moon".
1966: The Moody Blues y Procol Harum, ambos grupos exploran la sinfonía para aplicarla al soft rock.
1967: Jimy Hendrix, padre del hard rock en Estados Unidos y el Mundo, influye a Deep Purple y Black Sabbath, ambos de Inglaterra.
1968: Surge Led Zeppelin, que en los años 70´s llevó el hard rock a la cumbre de popularidad en todo el Mundo, contó con el mejor baterista de su década.
1969: Genesis, el peor de su época liderado por Peter Gabriel, no consigue fama sino hasta los años ochenta.
Dado que las presentaciones inglesas en ciudades como Nueva York y Pholadelphia iban seguidas de suicidios y vandalismo, los condados americanos emprendió una campaña anti-británica por lo que se culpó a los Beatles de ser los Anticristo, que a fin de cuentas sirvió como pretexto para promocionar a las estrellas americanas que participaban del "mismo delito".
Uno de los más conocidos en Estados Unidos durante los sesenta fue Bob Dylan, autor de la Música de Protesta, nació en 1941 con el nombre de Robert Zimmerman. Es el más importante entre los cantautores que han revalorizado y difundido el folk song o música popular de los Estados Unidos. Sus canciones están centradas en la crítica de la sociedad burguesa, materialista e inhumana; debutó en 1962 y entre sus canciones descuellan "Blowing in the wind"; su primer gran éxito mundial, "Like a rolling stone" (1965); y "subterranean homesick blues" entre otras.
Durante la primera mitad de los 60's se gozó de un rebelde alarido convertido en amoroso susurro (Beatles, Beach Boys, Simon and Garfunkel, the Byrds, Dave Clark Five, Buffalo Springfield, etc..) pero en la segunda mitad de esa década, el rock pierde su buena reputación debido al movimiento Hippie. Los protestantes anglosajones constituyeron este movimiento comunitario. penetrado de una mística literaria, pacifista y de oposición a la sociedad de los años 60´s, considerada en aquel entonces "caduca". Originado también en los Estados Unidos, representa una continuidad del movimiento beatnick al cual injertaron principios del budismo, cristianismo protestante, y de ideologías nihilísticas ó utópicas, así como de algunos autores contemporáneos: Marcuse, Thoreau, Timothy Leary, etc. En 1970, como rasgo característico, abandonaron las ciudades y constituyeron comunidades agrícolas, aunque estas no progresaron. En su rechazo de la "sociedad de consumo" incluyen un retorno a la naturaleza junto con la búsqueda paradójica de un mundo ideal, artificial sólo a ellos, revelado en las prácticas psicodélicas y a través de drogas alucinógenas. Posteriormente, su interés se ve centrado en las tradiciones indígenas de Norteamérica, pero el movimiento se fue degradando progresivamente y "recuperado" por la propia sociedad de consumo a la que atacaban, al trivializar y comercializar esta temática hippie.
Historia de la musica rock
El origen del Rock, según la enciclopedia española SALVAT, lo encontramos dentro del mismo pop, que ha sido y sigue siendo el principal exponente de la evolución de la nueva cultura, llamada también contracultura. Cuando los jóvenes teenagers americanos. Superada ya la crisis económica de postguerra, empezaron a constituir un grupo con poder adquisitivo, gustos y personalidad, y gustos distintos de los de sus padres; sin embargo hubo quienes perdieron a sus progenitores tras la Segunda Guerra Mundial, y se vieron en la necesidad de "afrontar solos al Mundo" como es el caso de los mejores compositores. El rock resultó de la fusión original de tres corrientes musicales ya existentes en la primera mitad del siglo. El jazz y el folk son típicos del folklore norteamericano, sobre todo por ser "musica de blancos"; el sonar de metales así como el baile nativo "tab" de los años 20's; pero por sí solos no provocaban la agresividad mostrada por la juventud norteamericana de los años 50´s. Los valores morales eran distintos tres décadas atrás, cuando se pensaba que la productividad salvaría a los Estados Unidos de una El blues por su parte, es de negros, y fue en su tiempo considerado por su estatus de desconocido como subterráneo a nivel nacional en los Estados Unidos de una recesión económica, la cual se produjo a fin de cuentas tras el "jueves negro" de 1929 y empezó "la gran depresión".
Antes del ataque aéreo japonés a Pearl Harbor el 9 de diciembre de 1941, esa nación tenía sobrepoblación en el sector desempleado de la sociedad; todos fueron reclutados y enviados al frente junto con sus instrumentos musicales para tocar jazz a los demás soldados. Tras la guerra, la población disminuyó y la economía se reactivó; el gobierno aprendió que la guerra es el negocio más provechoso del Mundo, y la gente pudo dedicarse a lo que le viniera en gana, como fue el caso de músicos ociosos (ej: Bill Haley). A excepción del folk, el jazz y el blues son considerados ritmos salvajes; éste último incluso puede tener sus raíces en la música afroamericana que muestra un espíritu de inconformidad y depresión por la esclavitud que sufrió su gente en el pasado. Hay quienes piensan que el blues surgió de los creyentes en el budú y demás ritos satánicos (de ahí también que se creé lo del mensaje subliminal de las canciones tocadas al revés). Resulta difícil diferenciar unos de otros, pero en 1954, Bill Haley hizo pública su Combinación de Estilos a través del material discográfico; tuvo un perfil artístico que lo hacía inconfundible en las audiencias que comenzaron al compás del reloj. Fue así como nació el rock&roll de blancos, como un fenómeno popular.
¿Y porqué no decir un fenómeno de masas? Bien, pues hay que tomar en cuenta la enorme lista de estrellas de rock que le siguieron a Haley, no sólo músicos, sino también actores de cine como James Dean, estelar de la película El Rebelde sin causa. Y vaya que sí es un buen calificativo para los fans del rock, ya que en muchos casos produce repercusiones mentales como tips nerviosos, ansiedad, impaciencia, etc. Dos años después de rock around the clock surgió de la incógnita el primero y más clásico "sex simbol" del movimiento: Elvis Presley, el "rey". Cabe señalar que muchos rockeros famosos se adjudican pseudónimos como este. Hijo de familia acaudalada, Elvis soñaba desde chico en hacerse actor de cine, pero al estar presente la oportunidad no resultó mejor que como cantante, y propagó el movimiento al otro lado del Océano Atlántico.
Mientras esto sucedía en el primer mundo anglosajón, en México la costumbre de escuchar música clásica perduraba, incluso en zonas rurales se acostumbraba aún la música nacional. Aquí se escuchaban temas musicales de película, esto es, si Pedro Infante y Jorge Negrete cantaban canciones no tan famosas en sus filmes, estas canciones se volvían regla al venderse discos de película. Por esto, los americanos siempre pensaron que, aparte de que éramos indígenas ignorantes, no gozábamos de un buen gusto musical; y resultaría obvio que nunca se escucharía rock en México. Por desgracia o por fortuna resultó que sí, incluso en el momento de nacer el rock en 1954 a través de "yankees" descendientes de mexicanos como el cantautor Ritchie Valens; según la película de 1986 La Bamba, este joven latino murió en un accidente aéreo a los 17 años de edad, junto con otro rockero llamado Bobby Holly. Parecía en un principio que nuestro pais se salvaba de una oledada de anticultura seguida de un comportamiento vándalo inducidos por la música rock en los Estados Unidos y la Gran Bretaña, pero solo fue cuestión de tiempo. Los Rebeldes del Rock surgieron para interpretar versiones en español de canciones originalmente compuestas en inglés por músicos de soul y gospel tales como los Everly Brothers, Frank Sinatra y sobre todo rockeros como Eddie Cochrain.
A fines de los 50's surge un raro baile rockero que se puso de moda en el periodo 1961-63: el twist (torcido) y este "se agradece" a intérpretes como Tony Sheridan (que en 1982 apareció en un documental sobre los Beatles) y el mismo Eddie Cochrain, analogado como uno de los más cúspides de su tiempo; entre el '57 y el '59 plasmó sus 40 composiciones incluidos en tres discos de larga duración. Cochrain murió en 1960 en accidente automovilístico, autor original del hit "summer times blues" interpretado por The Who en 1970 y en español por estrellas de Televisa titulándola "popotitos".
En los años cuarenta los discos de vinilo eran de 78 revoluciones por minuto, y cuando aparecieron las consolas que reproducían fonogramas en 33½ r.p.m. se les llamó LP´s (long play, disco de larga duración).
El Beat es la repetición alternada y constante de los bajos y percusiones. Desde que se inventara el sintetizador, éste ha formado también parte del beat tal y como lo demuestra la máxima figura del Soul, James Brown. Este instrumento se lo debemos a un mexicano, invidente, del cual no tenemos datos.
Música clásica griega
Hace demasiados años en una Grecia filosófica, y mitológica nacióuna música envuelta de fábulas y leyendas.La tierra es de los dioses y la música su medio de comunicacion.Una de estas narraciones mitológicas cuenta que cuando Orfeotocaba la lira el sonido era tan encantador que el mundo se rendíaa sus pies. Los árboles y las piedras lo seguían y las bestias más salvajes se amansaban al son de su instrumento. Cuando un día lleno de desgracia su mujer Eurídice muere, el joven músico desciende al reino de los muertos y con el sonido de ensueño de su lira consigue cautivar las criaturas del reino infernal. Éstas, a cambio, permiten que Orfeo se lleve a su esposa. Para ello, las divinidades infernales le ponen como condición que no puede darse la vuelta para contemplar a Eurídice hasta que los dos no hayan abandonado el submundo. A Orfeo lo vence la curiosidad y su querida se hunde para siempre al infierno.La antigua cultura griega estaba muy bien situada, bañada por el mar Egeo por un lado y el Mediterraneo por el otro, se convirtió en una ruta de paso para los pueblos de los alrededores, que no tardaron en dejar sus huellas culturales. Así, la música griega recibió influencia de civilizaciones antiguas muy avanzadas, la Mesopotámica, la Egipcia, la Etrusca y las Indoeuropeas. Por tanto, enmedio de tanta mitología, la música religiosa y los instrumentos de estas grandes culturas continuaron marcando el rítmo musical de la Civilización Helénica. Los griegos de los tiempos antiguos dieron gran importancia al valor educativo y moral de la música.En el mundo griego antiguo, la música es la principal protagonista de incontables leyendas pero, sin duda alguna, cuesta trabajo reconstruir la historia de la música occidental sin prestar atención a la herencia de los griegos antiguos, aunque sea a través de la mitología que no tenía más fin que darle ala música un sentido misterioso y un poder especial.Los griegos de la época clásica lucharon siemprepor conseguir la belleza en todas las artes quedesarrollaron. Así, la música se mezcla con ladanza, el teatro y la poesía.En el olimpo la músicahecha divinidad dará lugar a artes distintas.Apoloes el dios de la música y su hermano Dionisios el dela danza y el teatro. En otro grado del olimpoencontramos las musas o ninfas que serán las encargadas de ayudar y respaldar a los dioses. Tersícore será la musa de la poesía coral y la danza, Erato de la canción amatoria y Euterpe,de la música y la flauta.Como se suele decir que donde hay un buen rítmo la fiesta está asegurada, los griegos de la era antigua dieron más importancia al rítmo que a la melodía. Esto se contradice con el hecho que apreciaban más una voz bonita que un buen sonido del instrumento que la acompañaba. En definitiva, la estructura de la música griega no tenía nada de complicada. Se limitaban a repetir una estrofa incansablemente sin alterar ni siquiera una triste nota.Llega el punto en que la música se divorcia de la mitología y se casa con el recitado de los poemas épicos. La cultura de la época se transmite oralmente. Nace la figura de los bardos, auténticos profesionales del recitado, que iban de pueblo en pueblo con acompañamiento instrumental. El sistema musical de estos cantores vagabundos era muy senzillo y eran empleados de las familias dela aristocracia. La lira era su instrumento por excelencia dejando la cítara para acompañar a los coros populares que cantaban en las ceremonias de culto a los dioses, en fiestas populares o en actos deportivos.Más tarde aparecen en Atenas nuevos estilos musicales relacionados con la poesía. El ditirambo que son cantos dirigidos a Dionisos, se acompañan de danzas y del aulos, un instrumento parecido a la flauta. Surgen también los dramas, tragedias o comedias, combinados para no romper la tradicióncon música, danza y poesía.Cuando Grecia deja de creer tanto en lo sobrenatural para dar más importancia a la razón humana, nace el culto a la sabiduría y la música se relaciona ya con la filosofía.Los grandes filósofos de la época resaltan el valor informativo de la música. Mientras Pitágoras considera la música como una medicina para el alma, Aristóteles la utiliza para llegar a la cartasis emocional.Si hablamos de los instrumentos que utilizaron los habitantes de la Grecia antigua cabe destacar la Lira. Mitológicamente hablando, el dios Hermes aparece como inventor de este instrumento que simboliza la poesía. La madre de toda las liras es para los helenos el barbitos. Éste tiene siete cuerdas y una apariencia imponente. El músico apoyaba la caja en su cadera izquierda al mismo tiempo que punteaba las cuerdas. Por ser un instrumento dionisíaco y por tanto asociado a la alegría de vivir, el barbitos se convirtió en protagonista de los banquetes. Su sonido era tan fuerte que era capaz de superar cualquier fiesta aunque terminara en orgía. Otros de los instrumentos queridos por los griegos de la época clásica fue la cítara considerado el atributo de Apolo pasó a ocupar un primer plano en las sobremesas de las fiestas y reuniones.De los instrumentos de cuerda pasamos a los de viento. El aulos es lo más parecido a una flauta cruzada con un clarinete y de la familia del oboe, para que nos hagamos una idea tenía una doble lengueta y estaba formado por dos cañas por las que se soplaba al mismo tiempo. También había aulos de una sola caña, la siringa o flauta de Pan. Es un instrumento consagrado a Dionisios y su invención se atribuye a Minerva y al propio Apolo.En el temperamento griego no podía faltar el tambor presente tanto en las fiestas populares como en los ritos sagrados. El Tympanon griego estaba formado por un parche tensado sobre un gran círculode madera. Se golpeaba directamente con los dedos o con una baqueta y solían estar decorados con motivos geométricos. Este instrumento simboliza la locura dionisíaca y aparece siempre en mamosde mujeres. Otro instrumento que en este caso encontramos en manos de las musas es el crótalo, se trataba de unos platillos que entran en escena en las danzas. El tambor, los címbalos, el sistro y las castañuelas eran los instrumentos de percusión más de moda.La música de la antigua civilización griega evolucionó rápidamente. Nace en manos de los dioses,el pueblo griego arrebata el arte del sonido a las divinidades y finalmente llegan los filósofos para convertirla en ciencia. La palabra música que hoy conocemos proviene del griego, una Mousike que ellos elevaron a la esencia de la belleza y nosotros la rescatamos para transformarla en el más puro arte.
LA MÚSICA EN MESOPOTAMIA
La música tiene que ver mucho con la religión. Cuando los fieles se reunían cantaban a los dioses. También se canta en las ceremonias civiles por algún acontecimiento como puede ser un nacimiento, una guerra o un canto dedicado a un buen día de caza.
Con la cultura mesopotámica arranca realmente la historia de la música.
Gracias a los hallazgos en las tumbas reales de las antiguas ciudades más importantes de, Ur y Kisch, se conoce la existencia de los instrumentos que utilizaban los habitantes de la región. Aparte, estudios arqueológicos constatan que en las pinturas de la época aparecen ya escenas de músicos. Los habitantes inventaron también la escritura y es gracias a ellos que ha llegado hasta nuestras manos un valioso documento que supondría un acompañamiento musical con el instrumento más apreciado de la época, el arpa.
Se puede decir que con la cultura mesopotámica arranca realmente la historia de la música. Una cultura situada entre los desiertos de Arabia y las montañas de Persia que vio como la música evolucionaba de forma fugaz, a un ritmo tan desorbitado como el de las distintas civilizaciones que pasaron por ella. Quizás por encontrarse en una zona de paso, por su ubicación entre el área mediterránea y el área indostánica, fue por lo que recibió la visita de numerosos pueblos que ayudaron a desarrollar un estilo musical que está presente tanto en el culto religioso como en la celebración de festividades, sin descartar la música utilizada en momentos de guerra.
Así, los sumerios, el primer pueblo que se instala a lo largo de los ríos Éufrates y Tigris, cantaban himnos de carácter ritual en las ceremonias religiosas. Uno tiene que hacerse a la idea de la importancia de los templos y la religión para los antiguos habitantes del actual Iraq. Se cantaba al soberano que estaba al frente del estado que hacía a su vez las funciones de rey y de sacerdote. Eran cantos que se transformaban en lamentaciones dirigidas al dios. Los sumerios no sólo tocaban el arpa sino que tambores, panderetas, liras y cascabeles se utilizaban para acompañar los salmos.
Pero la antigüedad fue ocupada por diversas civilizaciones y después de los sumerios llegaron los babilonios. Babilonia era la ciudad más espectacular de oriente pero sus habitantes no superaron a los sumerios en arte musical sino que se limitaron a adaptar sus textos cantados añadiendo intermedios instrumentales y alguna que otra voz femenina en el canto dedicado a los templos. En las ceremonias religiosas del imperio babilónico donde se ofrece culto a la divinidad se podía escuchar el dulce sonido de la flauta. Los babilonios estaban seguros que sus adorados dioses escucharían más atentamente sus plegarias con este instrumento de viento que estaba construido de hueso, cuerno, bambú e incluso de metal. Por lo tanto, la música en la era babilónica sigue estando ligada a la religión, por eso cantaban himnos para alabar a sus dioses.
Después de tres dinastías, los asirios dejaron atrás no sólo a los babilonios sino también la música religiosa. Nace una música profana ligada a los palacios. Esto significa que en la zona entre los ríos Éufrates y Tigris deja de utilizarse la música únicamente como medio de adoración a un dios para darle un talante más festivo. El pueblo asirio además trajo consigo la trompeta y otra clase de tambores. Podemos considerar la música del imperio Asirio como la antecesora de la popular.
En las ceremonias religiosas del imperio babilónico donde se podía escuchar el dulce sonido de la flauta.
En la última época de la civilización mesopotámica antes de la llegada de los persas crece el interés por las ciencias como las matemáticas y la astrología. Debido a que todos los estudios de la época giraban alrededor de estas ciencias, la música tampoco escapó de sus influencias.
Nuestros antepasados decidieron que el arco con el que cazaban su cena podría tener más utilidad que para lanzar una flecha. Lo tuvieron bien fácil, dieron la vuelta al arco, añadieron un par de cuerdas más y se dieron cuenta que era tan divertido bailar al son del arco como salir a cazar. El arpa es uno de los instrumentos de cuerda más antiguos que se conocen. Las primeras eran arqueadas que dieron lugar más tarde al arpa angular importada por los asirios. Posteriormente, el instrumento de cuerda más antiguo se propagó por toda la zona del Oriente Próximo hasta la India y, hacia el oeste, a través de las islas Egeo hasta Grecia y Roma.
Al igual que el arpa, la lira llega a manos de los sumerios. Las liras encontradas en las tumbas reales eran tan grandes que se tocaban entre dos músicos y se colocaban en el suelo. Éstas solían llevar la cabeza de un toro esculpida en la parte delantera. Se consideraba una adoración a un animal sagrado.
También se sabe que en la más antigua de las civilizaciones de la humanidad existía un tipo de laúd de mástil largo que tiene el mango más largo que la caja. Es un laúd muy primitivo pero que servirá de base para un instrumento que se extendió rápidamente por todo el continente. Los mesopotámicos fueron también unos maestros en instrumentos de percusión e ingeniaron una gran variedad de tambores hechos con metales preciosos. Pero quizás lo más importante de esta civilización, aparte de sus inventos, fue su herencia musical que se propagó por Egipto, la India, Palestina, Grecia y llegó a los países islámicos.
Si se inventó primero la rueda o la pandereta es un misterio pero está claro que en la más antigua de las civilizaciones en la región del Oriente Medio encontramos los primeros pasos de un arte, el de la música, que forma parte hasta hoy de la historia de la humanidad.
