El ARTE, SIGNIFICA EMOCIÓN, SENTIMIENTO, DE ALGO QUE SE ADMIRA.
El mundo es mundo desde que el hombre se expresa, desde la época cuaternaria 12,000 años antes de la era cristina, el homo sapies, tenía ya nato el sentimiento artístico, característica que lo diferenciaba del resto de sus congéneres, (los animales), cuando utilizando las manos comenzaba a dibujar y del dibujo llegó el pensamiento, y su cerebro comenzó a crecer y fue llamado hombre sabio.
Pero para que este lograra un buen trazo, haría falta una larga serie de generaciones, y pudiese dibujar correctamente la silueta de un animal dentro de sus cavernas, valiéndose en aquel entonces de un trozo puntiagudo de sílex para que sus primeros ensayos, o garrapateos, llegasen a la altura siglos después a ser llamadas obras de arte.
Llegó él periodo de la piedra pulimentada y del bronce, después las primeras civilizaciones de Egipto, Caldea, Persia, el Egeo, el griego, en donde se destacó la abundancia del mármol y el embellecimiento de Atenas en tiempo de Pericles, con la construcción del acrópolis y el Partenón, el Etrusco y Romano, después el Arte Cristiano en Occidente y Oriente, la arquitectura gótica del Renacimiento y los tiempos modernos, con el arte Florentino y la pintura Veneciana, el arte Flamenco y Francés, el renacimiento Alemán y la Pintura Española, y el arte moderno español del siglo pasado hasta nuestros tiempos.
Como vemos la Historia de Arte, se remonta a principios del hombre mismo, va de la mano con el tiempo y es este, el verdadero arte la poesía y la interpretación del momento en que se vive.
Vincent Van Gogh, cuando estudiaba para ser párroco de una iglesia en Holanda, había descubierto que no servía para estudiar, y que se sentía feliz contemplando la naturaleza, la vida, las gentes y le complacía dibujarlas, un día cuando tenía varios bocetos, quiso saber la opinión de su Maestro que le impartía clases de latín y griego Mendes Da Costa un párroco al que también le gustaba pintar.
Mendes había notado la lucha que sostenía Vincent en sus estudios de teología y adivinaba que él joven estaba a punto de tomar una determinación.
- Maestro le preguntó Vincent-¿podría usted venir a caminar un rato conmigo?
Maestro- Estaré encantado de acompañarlo. Es agradable caminar después de la lluvia.
Se envolvió en su bufanda y se puso su grueso abrigo negro. Una vez en la calle los dos hombres bordearon la sinagoga en donde tres siglos antes Baruch Spinoza había sido excomulgado, y luego pasaron la casa de Rembrant que quedaba en Zeestraat Holanda.
Murió olvidado y pobre- dijo Méndes al pasar por la antigua casa.
Vincent elevó la vista vivamente. Mendes tenía la costumbre de ir al grano del problema antes de que se mencionara siquiera.
lunes, 1 de junio de 2009
domingo, 31 de mayo de 2009
Arquitectura Natural
El hecho que motiva y justifica el hecho arquitectónico es la necesidad del hombre de habitar, de concebir espacios confortables que permitan que las actividades propias a su naturaleza puedan desarrollarse a cabalidad. Conviene enfatizar que este objetivo no es el único ni el más importante; una vez que se decide delimitar un espacio,
el objeto arquitectónico tendrá que satisfacer necesidades biológicas y funcionales, pero también condicionantes de tipo cultural, estético, técnico y económico que no pueden ser dejados al margen. No se hace arquitectura respondiendo a uno solo de estos factores por que el alma de nuestra labor está en balancear todos los elementos que participan en las fases de proyectación y construcción para lograr el equilibrio entre ciencia, arte y técnica que permite que la edificación sea útil a sus destinatario y acorde al medio que le rodea. "Las visiones del soñador fueron estrafalarias: procesiones de caimanes y de tortugas, pantanos llenos de gente, flores que daban gritos. Dijo que los árboles de la selva eran gigantes, paralizados y que de noche platicaban y hacían señas.
EL HECHO NATURAL.
La aparición de la razón humana sobre la faz de la tierra escindió completamente al hombre - sino física al menos intelectualmente- del ambiente natural que lo engendró. Cuando el hombre, gracias a su razón - o a pesar de ella - fue capaz de ir en contra de la naturaleza para adaptar el medio que le rodeaba a sus intereses y necesidades particulares, dio origen a la innegable contradicción entre el hecho natural y el artificio. El orden natural y el humano son diferentes; el universo que creamos y el que nos creó no son el mismo. Nadie considera una casa tan natural como el nido de un ave, así en esencia sean lo mismo; refugios construidos por seres vivientes que comparten un mismo origen y una misma biología.
EL HECHO ARTIFICIAL.
Analizando la relación existente entre un objeto arquitectónico y la naturaleza que la circunda, puede formularse un primer punto de discusión: si deberá ser la arquitectura una expresión del dominio del hombre sobre la naturaleza dónde éste la acondiciona a sus necesidades y conveniencias, o si por el contrario, la calidad de un objeto arquitectónico dependerá también de la respuesta que ofrezca a la realidad ambiental del lugar dónde se emplaza.
EL HECHO ARQUITECTÓNICO.
La naturaleza es inflexible, por ello la humanidad debería ser lo más consecuente con ella, bajo riesgo de obligar a que la naturaleza, lenta pero implacablemente restituya el equilibrio alterado. Elementales leyes de equilibrio ecológico, como el manejo de aguas negras y basuras, la necesidad de limitar la cantidad de presas hidráulicas, la relación entre zonas verdes y asentamientos humanos o la calidad espacial y urbana y su incidencia en la sociedad, no han sido respetadas por la humanidad. Últimamente el mismo hombre esta trabajando fuertemente por restituir alterar más levemente este equilibrio antes que la naturaleza irremediablemente lo haga. En un futuro muy próximo la calidad arquitectónica de un proyecto será evaluada no sólo por la manera como se balanceen los condicionantes estéticos, técnicos, económicos y culturales, sino también de la manera como se respeten los recursos naturales, se valoren los accidentes geográficos ose protejan las condiciones medio ambientales del lugar donde se emplaza el proyecto. Una actitud respetuosa ante el medio ambiente traerá beneficios de índole económico, no por tener una dependencia total de tecnologías extranjeras de más alto costo, que procedimientos tradicionales que no siempre exigen materiales muy sofisticados. (Fuente autora: Colombia. Universidad de la República, Facultad de Arquitectura, 1988)
arquitectura ... un poco de historia
La Historia de la arquitectura es una subdivisión de la Historia del arte encargada del estudio de la evolución histórica de la arquitectura, sus principios, ideas y realizaciones. Esta disciplina, así como cualquier otra forma de conocimiento histórico, está sujeta a las limitaciones y fortalezas de la historia como ciencia: existen diversas perspectivas en relación a su estudio, la mayor parte de las cuales son occidentales.
En la mayoría de los casos -aunque no siempre- los periodos estudiados corren paralelos a los de la Historia del arte y existen momentos en que las estéticas se sobreponen o se confunden. No es de extrañar que una estética vanguardista en las artes plásticas aún no haya encontrado su representación en la arquitectura y viceversa.
En la mayoría de los casos -aunque no siempre- los periodos estudiados corren paralelos a los de la Historia del arte y existen momentos en que las estéticas se sobreponen o se confunden. No es de extrañar que una estética vanguardista en las artes plásticas aún no haya encontrado su representación en la arquitectura y viceversa.
Velázquez ... exelente pintor
Posiblemente es el más grande pintor que ha vivido. Según los expertos produjo la mayor cantidad de obras maestras de la historia del arte. Su obra se muestra destacada en los más prestigiosos museos de todo el mundo. Nació en la ciudad española de Sevilla, donde fue discípulo de Fracisco Pacheco, casándose posteriormente con la hija de éste. Tras su primer viaje a Madrid en 1623, fue contratado como pintor de la corte de Felipe IV, pasando el resto de su vida al servicio de este en diferentes puestos, alcanzando el cargo máximo de Guardián de la Corte, lo que provocó un descenso en su producción personal. Viajó en varias ocasiones a Italia, enviado por el rey, donde realizó varias pinturas que causaron gran conmoción en Roma. Murió de regreso de las islas de los Faisanes, donde habia ido acompañando al monarca en su encuentro con el rey de Francia Luis XIV. Velázquez fue llamado "el pintor de la verdad" o "el pintor del aire".
BIOGRAFÍA de VAN GOGH
Pintor holandés. Era el hijo mayor de un pastor protestante del que heredó la vocación religiosa, y en el seno de una familia económicamente débil. Realiza sus primeros estudios en la escuela rural. En 1863 ingresa interno en el colegio de Zerenbergen, que tuvo que abandonar debido a la mala situación económica de sus padres.A los dieciséis años trabaja como empleado en la Galería de Arte Goupil de La Haya, gracias a su tío, director de la misma. Cultiva su afición por la pintura y la literatura. Durante una visita a su familia, en el verano de 1872, inicia la relación con su hermano Theo (el único y verdadero amigo de su vida), con el que mantendría correspondencia hasta el día de su muerte, correspondencia que es el más vivo testimonio de la vida de este genio.En 1873, la galería donde trabaja se traslada a Londres, donde lleva una vida apacible y comienza a cultivar el dibujo. Vive en una modesta pensión y se enamora de la hija de su patrona. Su amor no es correspondido; Vincent es rechazado por primera vez. Esto le deprime y provoca que su carácter se muestre huraño y violento, lo que condiciona su traslado a Paris. A los veinte años, Van Gogh es un hombre melancólico y solitario. Su situacion le hace ver en la religión el único camino para salvar la crisis. Pese a los consejos de su hermano Theo, abandona la Galería Goupil y comienza a predicar el metodismo en Isleworth.Percibe ayuda de su familia para regresar a Amsterdam y cursar allí estudios de Teología protestante. Pero Vincent no es admitido en el Seminario. Es nombrado predicador finalmente por el consistorio de Bruselas y destinado a la región de Borinage. Convive allí con los mineros. Su apoyo a la huelga promovida por éstos le vale el cese de su cargo religioso. De su estancia en esa región de Holanda datan los dibujos de mujeres recogiendo carbón. Van Gogh se dedica por entero a la pintura y a la lectura.Gracias a Theo ingresa a los veintisiete años en la Academia de pintura de Bruselas. Durante una visita a su hermano se enamora de una viuda, prima suya, de mayor edad que él. También esta vez es rechazado. En 1881 viaja a La Haya, donde su primo Mauve lo introduce en los círculos artísticos de la ciudad. Orienta su interés pictórico hacia naturalezas muertas. Pese a su buena acogida, Van Gogh reacciona violentamente contra la pintura academicista imperante. De esta época data su amor con una prostituta embarazada, cuyo apodo era <>. Será su modelo para el famoso cuadro Sorrow. Su padre le aconseja que abandone a esta mujer, que le ha contagiado la sífilis, pero Van Gogh se niega. En el verano de 1883 se recrudece su enfermedad y decide separarse definitivamente de <>, por consejo de su hermano. Poco después se instala con su padre en una pequeña población de Neven y se interesa pictóricamente por los temas de la Naturaleza. También cultiva intensamente el retrato. Su obra cumbre de esta época es Los comedores de patatas.Posteriormente, tras viajar a Auvers, se traslada a París, donde le espera su hermano. Allí descubre el mundo impresionista y conoce personalmente a Pissarro, Seurac, Toulouse-Lautrec, Monet, Renoir y Gauguin. Junto a su influencia recibe la de la pintura japonesa. Pinta intensamente, rompiendo con convencionalismos temáticos y formales, pero su situación económica es muy precaria; no pasa hambre debido al dinero que recibe de su hermano Theo, pero no consigue ninguna venta de sus cuadros. Cansado de la vida parisina, por consejo de Toulouse-Lautrec, marcha a Arlés, donde lleva una vida apacible pero prolífica. Recibe la visita de Gauguin. Van Gogh había pintado de amarillo su estudio cuando recibió la noticia; sin embargo, tras una discusión sobre Rembrandt, Gauguin decide regresar a París a pesar de las súplicas de Vincent, que se corta una oreja y la envía a una prostituta con la que los dos amigos habían estado. Theo decide que su hermano ingrese en el Hospital de Saint Paul, después de lo cual Van Gogh es rechazado por la población de Arlés. El pintor sufre alucinaciones, y en la primavera de 1889 ingresa en el Hospital de Saint Reney. El diagnóstico es epilepsia y esquizofrenia sin llegar a grados extremos. Vincent convierte su habitación en estudio pictórico y trabaja infatigablemente. Su pintura es tortuosa, violenta...Hasta que Auviers publicó un artículo sobre Van Gogh, el artista había permanecido olvidado de la crítica. En julio de 1890 no recibe la suma que mensualmente le envía su hermano. Conoce la desesperación, se siente fracasado y enfermo; le abruma la tristeza y la angustia. Con la excusa de ir a cazar cuervos, consigue un revólver prestado con el que se dispara un tiro en el estómago. Después de esto regresa a su casa y, mientras fuma, espera que la muerte llegue. El 29 de julio recibe sepultura. Theo, su hermano, nunca se recuperó del choque que esto supuso para él y perdió la cordura.Vincent van Gogh, el más genial de los pintores de finales de siglo, sólo consiguió vender dos cuadros en su vida.
CRONOLOGÍA:
30-3-1853: Vincent van Gogh nace en Groot Zinder (Holanda).
1869: Como empleado, trabaja en una galería de La Haya.
1870-1875: Se traslada a la sucursal londinense de esa misma galería.
1875: A los 22 años, y tras una crisis amorosa, se va a París.
1876: Regresa a Inglaterra y da clases en un colegio privado. Cerca de Londres, ayuda a un pastor metodista.
1877: Vuelve a Holanda para trabajar en una librería. Durante unos 15 meses estudia para ser pastor.
1877-1880: Convive con los mineros en Bélgica, que eran muy pobres.
1880: Narra a su hermano Theo sus profundas angustias.
1880-1883: Vive una época de amores turbulentos y difíciles.
1883: Van Gogh desarrolla el gusto por pintar paisajes.
1885: Pinta Los comedores de papas. Muere su padre.
1886: Se traslada a París para vivir con su hermano Theo. Conoce a los pintores Toulouse – Lautrec y Gauguin.
1886-1888: Pinta unos 200 lienzos; entre ellos 23 son autorretratos.
1888: Se instala en Arles, sur de Francia, con su amigo Gauguin. En un arrebato de furia se corta el lóbulo de una oreja. Entra en una etapa muy próxima a la demencia absoluta.
1889: Ingresa en el asilo de Saint Paúl – de- Mausole. Sufre una de sus crisis mas graves, pero sigue pintando.
1890: Conoce al doctor Gachet, al que dedica unos cuadros.
29-7-1890: Muere a los 37 años en Auvers – sur – Oise (Francia).
EL GRITO DE MUNCH
EL GRITO DE MUNCH
Tormento e inconformismo
El objeto de estudio del trabajo es el Grito, cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 y que se encuadra dentro de su obra capital “el Friso de la Vida”.
El objetivo que se pretende alcanzar, es responder qué es lo que Munch trató de reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita.
Es decir, si se trata del reflejo de la angustia personal del pintor o si el grito pudiese también esconder una crítica a la nueva forma de organización socioeconómica de la época. En definitiva si Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.
Para desarrollar esta posibilidad voy a basarme en 3 hechos fundamentales:
· La influencia que tuvo para Munch el movimiento bohemio de Cristiania
· La situación social que se vivía en el momento y lugar en el que se pintó el cuadro
· Las características del propio arte expresionista
Influencia de Cristiania
Cristiania (la actual Oslo) se consideraba la cuna del movimiento Bohemio noruego. Munch se trasladó allí a la edad de tres años y desarrollo todos sus inicios como artista rodeado de esta atmósfera e influenciado por pintores como Christian Krogh, uno de los máximo exponentes del movimiento Bohemio.
Los bohemios de Cristiania dirigían sus trabajos y sus provocaciones contra la falsa complacencia y contra la estrechez de principios morales y éticos. Consideraban que el sistema estaba envuelto en contradicciones.
No compartían la forma de organizarse de la sociedad y por ello vivían en un clima de represión.
La novela “Un Bohemio de Cristiania” escrita por Hans Jaeger fue confiscada inmediatamente después de su aparición en1985 y el propio Munch vio como sus cuadros causaban escándalo en la exposición de Oslo en 1886, o como en 1892 el público y la prensa berlinesa reaccionaron indignados ante sus pinturas, lo que obligo a clausurar la exposición siete días después de su inauguración.
Munch no fue ajeno a este movimiento de protesta como pone de manifiesto el escritor Josef Paul Hodin en su libro “Eduard Munch-el genio del Norte”.
Hodin escribe en este libro:
“La Bohemia de Cristiania era el portavoz de la protesta individual contra la hipocresía de una falsa moral.
Esta Bohemia, en la que se incluía Munch, luchaba por el ideal de una sociedad honesta y vigorosa y defendían la liberación social sometiendo para ello los valores recibidos a una critica despiadada. En ningún otro lugar se estaba luchando en pro de las nuevas ideas con tanta vehemencia como en la fosilizada Cristianía de los años ochenta”
Munch estaba por tanto dentro de esta corriente reivindicativa y hacia finales de los 1890 tenía proyectado un ciclo de cuadros con el tema de la vida Bohemia.
Me parece interesante detenernos en otra de sus obras para reflejar la posición de Munch con respecto a la clase burguesa, clase social que representaba la piedra angular de la sociedad industrial.
Historia sobre Pintura
Arte Prehistórico
Las pinturas más antiguas que se conocen fueron realizadas en las paredes de las cuevas que servían de abrigo a la especie humana hace 30.000 años, durante el periodo paleolítico. Hay muestras del arte paleolítico en emplazamientos de Europa occidental, del África sahariana y del sur, y en Australia. En algunas zonas, como el litoral mediterráneo, el desarrollo de la pintura continuó en el periodo neolítico.
Las pinturas que se conservan en las cuevas de España (Altamira) y del sur de Francia representan, con increíble exactitud, bisontes, caballos y ciervos. Estas representaciones están realizadas con pigmentos extraídos de la tierra, compuestos de diferentes minerales pulverizados y mezclados con grasa animal, clara de huevo, extractos de plantas, cola de pescado e, incluso, sangre; se aplicaban con pinceles hechos de varitas y juncos o se soplaban sobre la pared. Estas pinturas debían desempeñar una función en los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su naturaleza exacta. Por ejemplo, en una pintura rupestre de Lascaux, Francia, aparece un hombre entre los animales junto a varios puntos oscuros; aunque su exacto significado permanece desconocido, demuestra la presencia de una conciencia espiritual y la capacidad de expresarla por medio de imágenes, signos y símbolos.
1.1 El Paleolítico
Si restringimos la definición de arte a la actividad representativa, libre de toda sujeción utilitaria, tendremos que considerar el Paleolítico superior como el momento del nacimiento de las primeras muestras artísticas.
El arte rupestre o arte parietal es el tipo de pintura que desarrollaron estos hombres en las paredes de las cuevas. Se distinguen dos tipos de éstas:
A.- Arte franco-cantábrico
Se extiende del período auriñaciense al magdaleniense y sus muestras más representativas están en Francia (Cuevas de la Dordogne : Les Combarelles, Font-de-Gaume y Lascaux) y en el norte de España (Altamira, La Pasiega). Las principales características de este arte son: un gran naturalismo en la representación de los animales, contornos de manos y signos abstractos; las figuras se encuentran siempre aisladas, sin formar grupos escénicos; se percibe una clara evolución en el tratamiento colorístico que va de la monocromía a una rica policromía.
B.- Arte levantino
Estas pinturas tienen una serie de características que las distinguen del arte franco-cantábrico: no están en cuevas oscuras, sino en abrigos a plena luz; son monocromas (rojas o negras); son más esquemáticas y no tan naturalistas; la figura humana se representa profusamente; las representaciones no están aisladas y superpuestas; sino que se estructuran formando escenas; logran captar el movimiento, dando la sensación de un gran dinamismo.
Sus mejores muestras se encuentran en Cogull, cueva Remigia, la Valltorta y Charco del Agua Amarga, en el Levante español.
El Neolítico
Sigue una evolución, iniciada a finales del Paleolítico, hacia una mayor esquematización geométrica y abstracta. El abandono del naturalismo hace difícil reconocer las figuras representadas.
Los mejores ejemplares de este estilo están en la Laguna de la Janda, en Almadén (Ciudad Real, España). También son señalables los huesos humanos y los cilindros de piedra decorados con figuras geométricas en zig-zag que representan, casi con seguridad, ídolos religiosos.
Arte Egipcio
El arte egipcio se desarrolló durante unos 3000 años, pese a lo cual mantiene una cierta unidad estílica.
Los egipcios utilizaban a la pintura para pintar los muros de las tumbas de los faraones con representaciones mitológicas y escenas de las actividades cotidianas, como la caza, la pesca, la agricultura o la celebración de banquetes. En primer lugar, las imágenes, más conceptuales que realistas, presentan los rasgos anatómicos más característicos, combinando las vistas frontales y de perfil de la misma figura; en segundo lugar, la escala de las figuras indica la importancia de las mismas, y así el faraón aparece más alto que su consorte,
hijos o cortesanos.
Se distingue una época predinástica (antes del 3000 A.C), una época tinita-menfita o Imperio Antiguo (3000 – 2000 A.C), una época tebana o Imperios Medio y Nuevo (2000 – 1000 A.C), y una época tardía (saíta, tolemaica) ya dentro de la dominación extranjera.
El dibujo y la pintura egipcios tienen una función más cercana a la de la escritura o símbolos religiosos que a la de ornamento estético.
Su función fue casi siempre la de realzar la arquitectura, la escultura, el bajorrelieve o los utensilios de uso cotidiano, aplicándose a las superficies murales o mobiliarias.
Los colores poseen una rica simbología: el verde, frescor y juventud; el negro, fertibología; el blanco, la luz; el amarillo intenso, eternidad.
Ellos aplicaban los colores con un aglutinante a base de goma arábiga, cera de abeja o clara de huevo, sobre un estucado de yeso previamente preparado.
Los pinceles hechos de juncos machacados, por uno de sus extremos y brochas hechas con hojas de palmera eran los instrumentos que utilizaban.
Las principales obras pictóricas son: el Friso de las Ocas, la Peregrinación de Abydos, Sennefer y su esposa, Amenofis II ante el dios Osiris, Escenas de vendimia, Caza de patos en el pantano, Bailarín rubio y caballo rosa. También son muy bellas las pinturas realizadas en rollos de papiro, como la del Juicio de los Muertos, del Museo de Turín.
Las pinturas más antiguas que se conocen fueron realizadas en las paredes de las cuevas que servían de abrigo a la especie humana hace 30.000 años, durante el periodo paleolítico. Hay muestras del arte paleolítico en emplazamientos de Europa occidental, del África sahariana y del sur, y en Australia. En algunas zonas, como el litoral mediterráneo, el desarrollo de la pintura continuó en el periodo neolítico.
Las pinturas que se conservan en las cuevas de España (Altamira) y del sur de Francia representan, con increíble exactitud, bisontes, caballos y ciervos. Estas representaciones están realizadas con pigmentos extraídos de la tierra, compuestos de diferentes minerales pulverizados y mezclados con grasa animal, clara de huevo, extractos de plantas, cola de pescado e, incluso, sangre; se aplicaban con pinceles hechos de varitas y juncos o se soplaban sobre la pared. Estas pinturas debían desempeñar una función en los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su naturaleza exacta. Por ejemplo, en una pintura rupestre de Lascaux, Francia, aparece un hombre entre los animales junto a varios puntos oscuros; aunque su exacto significado permanece desconocido, demuestra la presencia de una conciencia espiritual y la capacidad de expresarla por medio de imágenes, signos y símbolos.
1.1 El Paleolítico
Si restringimos la definición de arte a la actividad representativa, libre de toda sujeción utilitaria, tendremos que considerar el Paleolítico superior como el momento del nacimiento de las primeras muestras artísticas.
El arte rupestre o arte parietal es el tipo de pintura que desarrollaron estos hombres en las paredes de las cuevas. Se distinguen dos tipos de éstas:
A.- Arte franco-cantábrico
Se extiende del período auriñaciense al magdaleniense y sus muestras más representativas están en Francia (Cuevas de la Dordogne : Les Combarelles, Font-de-Gaume y Lascaux) y en el norte de España (Altamira, La Pasiega). Las principales características de este arte son: un gran naturalismo en la representación de los animales, contornos de manos y signos abstractos; las figuras se encuentran siempre aisladas, sin formar grupos escénicos; se percibe una clara evolución en el tratamiento colorístico que va de la monocromía a una rica policromía.
B.- Arte levantino
Estas pinturas tienen una serie de características que las distinguen del arte franco-cantábrico: no están en cuevas oscuras, sino en abrigos a plena luz; son monocromas (rojas o negras); son más esquemáticas y no tan naturalistas; la figura humana se representa profusamente; las representaciones no están aisladas y superpuestas; sino que se estructuran formando escenas; logran captar el movimiento, dando la sensación de un gran dinamismo.
Sus mejores muestras se encuentran en Cogull, cueva Remigia, la Valltorta y Charco del Agua Amarga, en el Levante español.
El Neolítico
Sigue una evolución, iniciada a finales del Paleolítico, hacia una mayor esquematización geométrica y abstracta. El abandono del naturalismo hace difícil reconocer las figuras representadas.
Los mejores ejemplares de este estilo están en la Laguna de la Janda, en Almadén (Ciudad Real, España). También son señalables los huesos humanos y los cilindros de piedra decorados con figuras geométricas en zig-zag que representan, casi con seguridad, ídolos religiosos.
Arte Egipcio
El arte egipcio se desarrolló durante unos 3000 años, pese a lo cual mantiene una cierta unidad estílica.
Los egipcios utilizaban a la pintura para pintar los muros de las tumbas de los faraones con representaciones mitológicas y escenas de las actividades cotidianas, como la caza, la pesca, la agricultura o la celebración de banquetes. En primer lugar, las imágenes, más conceptuales que realistas, presentan los rasgos anatómicos más característicos, combinando las vistas frontales y de perfil de la misma figura; en segundo lugar, la escala de las figuras indica la importancia de las mismas, y así el faraón aparece más alto que su consorte,
hijos o cortesanos.
Se distingue una época predinástica (antes del 3000 A.C), una época tinita-menfita o Imperio Antiguo (3000 – 2000 A.C), una época tebana o Imperios Medio y Nuevo (2000 – 1000 A.C), y una época tardía (saíta, tolemaica) ya dentro de la dominación extranjera.
El dibujo y la pintura egipcios tienen una función más cercana a la de la escritura o símbolos religiosos que a la de ornamento estético.
Su función fue casi siempre la de realzar la arquitectura, la escultura, el bajorrelieve o los utensilios de uso cotidiano, aplicándose a las superficies murales o mobiliarias.
Los colores poseen una rica simbología: el verde, frescor y juventud; el negro, fertibología; el blanco, la luz; el amarillo intenso, eternidad.
Ellos aplicaban los colores con un aglutinante a base de goma arábiga, cera de abeja o clara de huevo, sobre un estucado de yeso previamente preparado.
Los pinceles hechos de juncos machacados, por uno de sus extremos y brochas hechas con hojas de palmera eran los instrumentos que utilizaban.
Las principales obras pictóricas son: el Friso de las Ocas, la Peregrinación de Abydos, Sennefer y su esposa, Amenofis II ante el dios Osiris, Escenas de vendimia, Caza de patos en el pantano, Bailarín rubio y caballo rosa. También son muy bellas las pinturas realizadas en rollos de papiro, como la del Juicio de los Muertos, del Museo de Turín.
Historia del arte (en general)
La Historia del Arte, aunque puede concebirse como la historia de todas las manifestaciones artísticas de las denominadas bellas artes, que incluirían a la literatura o la música, suele restringirse a las artes visuales (pintura, escultura y arquitectura), y habitualmente también incluye las llamadas artes menores o aplicadas. Está estrechamente relacionada con la estética y la teoría de las artes.
La historia del arte procura un examen objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias.
El estudio de la historia del arte se desarrolló inicialmente desde el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no sólo de los de la historia del arte occidental.
Danza urbana
La expresión “danza urbana” se refiere a eventos, performance y creaciones coreográficas en espacios públicos e investiga la relación entre danza, cuerpo danzante y arquitectura. La expresión “danza urbana” no se pone como definición del genere, sino como abertura misma, espacio de experimentación del cuerpo en el contexto urbano. Puede comprender entre si misma , como en un conjunto abierto, todas las experiencias que suman danza, movimiento, paisaje urbano y espacio publico. Siendo la ciudad espejo continuo de el movimiento mismo, esto conjunto no puede que considerarse abierto y en transformación, como un cuerpo, como el cuerpo mismo. Seres humanos tienen aquí directamente a que ver con el descubrimiento táctil y concreto del mundo y de el espacio, cuya connotación arquitectónica procede ganando nueva y directa conciencia. El cuerpo que danza se relaciona e interfiere con el espacio urbano mismo, puede regañar el espacio, descubrir otros usos. Según estas premisas en este contexto pueden ser consideradas cercas entonces experiencias de recerca de los 70, como la de Trisha Brown y Joan Jonas, así como las practicas de danza urbanas como la breakdance, la danza con skateboard y la salteada del city jumping.
Danza
La danza o el baile es la ejecución de movimientos acompañados con el cuerpo, los brazos y las piernas.La danza ha formado parte de la historia de la Humanidad desde tiempo inmemorial.
El hombre se ha expresado a través de las artes desde su aparición en la Tierra, y de esta manera manifestado alegrías, tristezas, deseos, emociones, pedidos y agradecimientos. Así nos llegan desde tiempos inmemoriales sus artes, y de su mano, sus costumbres, su vida toda, y hasta parte de su historia. La danza no es ajena a este fenómeno, y es posiblemente de las primeras artes a través de la cuál se comunica, y es importante destacar que tal vez sea la más simbólica de las artes ya que, al prescindir básicamente de la palabra, se acentúa la necesidad de una buena transmisión gestual.
La danza pues, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que requiere de cinco elementos fundamentales, los cuales se interrelacionan para transmitir un mensaje artístico:
La danza pues, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que requiere de cinco elementos fundamentales, los cuales se interrelacionan para transmitir un mensaje artístico:
Ritmo
Expresión corporal
Movimiento
Espacio
Color
De esta manera llegamos entonces a poder definir la danza como el desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín, diseñando una forma, impulsado por una energía propia, con un ritmo determinado, durante un tiempo de mayor o menor duración.
El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo. En algunas danzas predomina el ritmo, en otras el uso del espacio, etc. También es importante destacar que de acuerdo al carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro elemento.
No todas las disciplinas están regladas y se imparten en escuelas de baile o academias de danza, ciñéndose a un programa según la especialidad, ya que algunas modalidades de danza forman parte de una cultura ancestral, que se transmite de padres a hijos.
Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, sino que se imprime una intención determinada se complementa con el que llamaremos Adicionales No Danzantes. Éstos son cuatro: Mímica, Gesto simbólico, Canto y Palabra.
Mediateca
BIBLIOGRAFIA:
- AADD. "El cine español. Una historia por autonomías". 2 vols. Barcelona: PPU, 1996 i 1998. - AADD. "Enciclopedia del Cine". Barcelona: Planeta, 1982. - AADD. "El cine contado con sencillez". Madrid: Maeva, 2000. - Caparrós, J.M. "100 películas sobre Historia contemporánea". Madrid: Alianza, 1997. - Gubern, R. "Historia del cine". Barcelona: Lumen, 1989. - Porter, M. "Història del cinema a Catalunya". Barcelona: Generalitat, 1992. - Romaguera, J. (dtor.)-AADD. "Diccionari del cinema a Catalunya". Barcelona: Enciclopèdia Catalana, 2005. - Sadoul, G. "Historia del cine mundial. De los orígenes hasta nuestros días". Buenos Aires: Siglo XXI eds., 1976. - Wyver, J. "La imagen en movimiento". Valencia: Filmoteca valenciana, 1991.
VIDEOGRAFIA: - "Cent anys projectant cinema".PMAV.Dep.Ensenyament-Generalitat. - "Història del cinema mut". 2 cintas. Ed.Casals. - "El naixement i evolució del llenguatge cinematogràfic". ICE-UPC. - "Cámara. El nacimiento del cine". Serie. Granada TV. - "Hollywood, Hollywood". Serie. TV. - "Esto es Hollywood". Serie. TV. - "100 años de cine americano". Serie. TV. - "Historia de la MGM". Serie. MGM-TV. - "American Cinema". Serie. TV.
EL CINE DENTRO DEL CINE:
- "La noche americana" (F.Truffaut) - "La última locura" (M.Brooks) - "Cantando bajo la lluvia" (G.Kelly-S.Donen) - "Cinema Paradiso" (G.Tornatore) - "La última proyección" (P.Bogdanovich) - "Nickelodeon" (P.Bogdanovich) - "Buenos días Babilonia" (Taviani) - "Chaplin"(R.Attenborough)
La época sonora
El 6 de octubre de 1927 sucede un hecho revolucionario para la historia del cine: ¡comenzaba a hablar! "El cantor de jazz", de Alan Crosland, dejaba escuchar al actor Al Jolson cantando. Se iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para los actores: muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física. ¡Desaparecían los intertítulos!
Los estudios tuvieron que replanteárselo a pesar de que hicieron importantes inversiones para reconvertirse en sonoros. También los técnicos y los cineastas cambiaron de forma de hacer y de pensar. Y los actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente. En el Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932.
La implantación del sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el cine momentos para huir de los problemas cotidianos. Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico,la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos escapistas.
Es el momento de directores como Lubitsch -autor de "Ser o no ser" (1942)-; Capra -maestro de la comedia americana, con títulos como "Sucedió una noche" (1934) o "Vive como quieras" (1938); Hawks -director de Scarface (1932)-; Cukor, autor de "Historias de Filadelfia" (1940)-; John Ford -conocido sobre todo por sus "westerns" épicos, como "La diligencia" (1939); o Josef von Sternberg -cineasta alemán que dirigió "El ángel blau" (1930)-. Este cine de entretenimiento general tiene la excepción con el hecho por King Vidor, cineasta sensible a los problemas de las capas populares, como lo reflejó en "El pan nuestro de cada día" ( 1934). "En Alemania es G.W.Pabst quien cultiva un cine social.
Este compromiso estético con los menos favorecidos fue más fuerte en Europa. En Francia, coincidiendo con el Frente Popular, Jean Renoir mostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizando de auténticos como protagonistas de algunos de sus films, como en "La regla del juego" (1939), título que, además de su carga de naturalismo, supuso nuevas aportaciones estéticas. Otros cineastas encuadrados en lo que se llama "realismo poético" fueron Jacques Feyder, Jean Vigo, Marcel Carné; y René Clair.
Muchas de las nuevas estrellas de cine proceden del teatro o del musical. Nombres como Marlene Dietrich, Greta Garbo, Claudette Colbert, Olivia de Havilland, Gary Cooper, Clark Gable, Errol Flynn, Jean Gabin, Edward Robinson o Humphrey Bogart se han convertido en mitos del cine.
El cine en color llega en 1935 con la película "La feria de las vanidades", de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud se consigue en el film de Victor Fleming, "Lo que el viento se llevó" ( 1939).
El cine de animación se fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños. Walt Disney es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país.
Los trucajes es una de las especialidades más estimadas por el público. La ubicación de castillos en paisajes donde no han existido, a partir de cristales pintados, o la recreación de un gorila gigante a partir de un simio pequeño o de maquetas, son muestras de la magia del cine, a la cual acaban de dar el toque la decoración, el maquillaje o el vestuario.
Frente a directores con planteamientos principalmente comerciales, hacen aparición otros con nuevas inquietudes estéticas. Es el caso de Von Stroheim, Hitchcock o Orson Welles; éste último realizó las obras maestras "Ciudadano Kane" (1941) y "El cuarto mandamiento" (1942).
Mientras tanto en Europa las cinematografías de los países con gobiernos totalitarios se orientan hacia un cine políticamente propagandístico, con frecuencia fallido artísticamente en el caso de los fascismos. Respecto al Estado soviético, sigue siendo una excepción el cine de S.M.Eisenstein, como lo demuestran los films "Alexander Nevsky" (1938) e "Iván el Terrible" (1945).
Cuando la Segunda Guerra Mundial estalla, el cine se basa en la propaganda nacionalista, el documental de guerra o el producto escapista.
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